Irgendjemand meinte es gut mit mir, als er mir über Facebook die Informationen über die Ausschreibung zum Internationalen Kunstpreis „Chai du Terral“ in Montpellier zukommen ließ.
Ich lud die Ausschreibung herunter…..leider war sie nur in Italienisch und Französisch, was mir zu kompliziert war………..und so beließ ich es erst mal dabei….
Irgendwann erinnerte ich mich wieder daran, inzwischen gab’s die Ausschreibung auch in Englisch und dann ging alles ganz schnell, denn die Deadline rückte näher. Ich bemühte mich, die Texte richtig lesen und verstehen zu können……..es klang alles sehr spannend und professionell………und schwupps bewarb ich mich, wie gewünscht, per e-mail mit zwei Bildern.

Eine 4-köpfige Jury bewertete die Einlieferungen und wählte 45 Künstler aus! Und ich war dabei! (320 Bewerbungen für die Bereiche Malerei, Skulptur und Foto gingen ein, wie ich im Nachhinein erfuhr.) Ich war aus dem Häuschen und sagte: Damit habe ich schon gewonnen, dabei zu sein in der Endauswahl!!!!

Das Schloß Chai du Terral

Jetzt ging es darum, die Bilder sicher, schnell und preisgünstig nach Montpellier zu schaffen. Mit meinen Formaten 150 x 50 cm gar nicht so unproblematisch. Transportiert wurden die Bilder, waren auf dem Weg, doch sie kamen nicht an! Die Nervosität war am Anschlag, als am Tag vor Ausstellungsbeginn endlich die erlösende SMS kam.

In den Momenten der Ungewissheit dachte ich mir schon…..jetzt fährst Du ganz umsonst nach Montpellier. Denn im Vorfeld war es nicht ganz so einfach, eine akzeptable Anreisemöglichkeit zu finden. Wenngleich die Entscheidung leicht fiel, zur Ausstellungseröffnung am 17. Mai zu fahren! Aber zum Glück kam ja die befreiende Botschaft. Mit großer Vorfreude und doch ganz entspannt reiste ich an. Hatte ich doch schon gewonnen!

Zeitig kam ich in Montpellier an, so daß ich mit Ruhe alle Werke in den weitläufigen Ausstellungsräumen betrachten konnte. Schwer beeindruckt vom Niveau der Exponate!

Zum Glück wurde die gleichzeitig zu eröffnende Ausstellung zeitgenössischer – meist italienischer Künstler, deren Werke teilweise im MOMA New York oder der Tate Modern in London beheimatet sind, in einem separaten Saal präsentiert.

Schon zwei Stunden vor der Eröffnung füllten sich die geräumigen Ausstellungsflächen des Schlosses. In eleganten Anzügen gekleidete Herren schritten ernst und konzentriert durch die Säle, begleitet durch die beiden Organisatoren Nicola Domenici und Fabrizio Lavagna. Machten sich Notizen, sprachen leise miteinander, liefen plötzlich eilig von einem Raum zum anderen und wieder zurück………… dann kehrte wieder Ruhe ein.

Völlig entspannt lauschte ich den Eröffnungsreden, die natürlich in Französisch gehalten wurden und ich nicht alles verstehen konnte. Als es zur Preisverleihung kam, vernahm ich fast beiläufig, dass der 3. Preis aufgerufen wurde mit den Worten „…..une Allemande!“….da war mir klar, ich war gemeint, noch bevor ich meinen Namen hörte. Denn ich war die einzige deutsche Vertreterin unter meist italienischen und französischen Künstlern.
Die Freude war überwältigend. Nie habe ich darauf gehofft oder im Entferntesten damit gerechnet, einen Preis zu gewinnen! Ich hatte doch schon gewonnen durch das Auserwähltsein in die Endausscheidung!

Gisela Hammer vor ihren Werken und mit Nicola Domenici

Es war ein langer großartiger Abend mit all den angereisten Künstlern, neuen Kontakten und tollen Gesprächen in allen möglichen Sprachen. Wir freuten uns einfach, dabei zu sein.

von links:
1.Preis Max Gasparini aus Italien
2. Preis Cinzia Rossi aus Italien
3. Preis Gisela Hammer aus Deutschland

Anmerkung: die fünfköpfige Jury setzte sich zusammen aus dem Kulturminister, einem Galeristen, einem Sammler, einem Museumsdirektor und dem Kulturreferenten der Stadt.

Vom Schaffensrausch zur Gedankenliebe

In den circa 10 Jahren, in denen ich mich nun als Künstler im World Wide Web präsentiere, gab es immer wieder Gelegenheit, eigene Beschreibungen über mich und mein Schaffen zu verschiedenen Online-Bilderausstellungen zu formulieren.

Artist and Dancer © Bernd Wachtmeister

Dies führte zu Selbstanalysen und den damit verbundenen Fragen:
Welches Verhältnis habe ich zu meinem kreativen Schaffen? Wie sehe ich meine Arbeiten und ordne sie ein? Was fühle ich während des Schaffensprozesses? Was treibt mich an? Was ist mir wichtig? Wo stehe ich und wo will ich hin?
Interessanterweise änderten sich meine Antworten über die Jahre.

Hierzu finde ich ein Zitat von Albert Einstein passend, das vielleicht so etwas wie eine Gesetzmäßigkeit beschreibt:

Am Anfang gehören alle Gedanken der Liebe. Später gehört dann alle Liebe den Gedanken.”

In früheren Zeiten habe ich mich ganz mit Leidenschaft und Liebe dem künstlerischen Prozess hingegeben.
Auf diese Weise bin ich – von manchem Flow (Schaffensrausch) getragen – zu spontanen und von Emotionen geprägten Bildern gekommen, deren Realitätsbezug mir oft erst nach ihrer Entstehung klarer wurde.
Ich war von einer großen Zufriedenheit erfüllt wenn mir nach einer beglückenden Schaffensphase ein interessantes Bild gelungen war: Eine spannende Komposition, eine harmonische Farbmelodie, Wesen und Kreaturen aus einer anderen, inneren Welt. Auf dem Weg zu einer eigenen Bildsprache.

Talentwagon auf Abstellgleis © Bernd Wachtmeister

Zurzeit werde ich in meinem künstlerischen Tun mehr von “der Liebe zu den Gedanken” geleitet. Mit anderen Worten: Verschiedene kritische Themen – mögen sie politisch oder gesellschaftlich geprägt sein – fordern meine intensive gedankliche Auseinandersetzung und hiernach nun auch eine bildhafte Stellungnahme.
Mein noch sehr frisches aber festes ethisches Bewusstsein verlangt nach “visuellen Taten”. So entwickle ich Meinungsbilder mit grafischen Botschaften zu oder besser gegen Fehlentwicklungen, Ungerechtigkeiten, Umweltzerstörungen, Benachteiligungen und vieles mehr. Solche gelungenen Sinnbilder beflügeln mich. Sie helfen mir, meinen moralischen Standpunkt zu festigen und eventuell andere mit meiner Meinung zu erreichen und vielleicht auch zu motivieren.

Naechtlicher Kater © Bernd Wachtmeister

Durchweg treu geblieben bin ich über alle Jahre ganz sicher meinen eigenen hohen “Qualitätsansprüchen”.
Ich erarbeite meine Werke nach wie vor mit großer Konzentration und Akribie.
Eine Arbeit im richtigen Moment als vollendet wahrzunehmen, fällt mir allerdings heute noch schwerer als früher. Das digitale Medium erleichtert den Abschluss nicht gerade – im Gegenteil, die enorme Flexibilität der digitalen Welt eröffnet permanent neue Möglichkeiten der Modifikation und Optimierung eines Bildes und erfordert letztendlich vom Schöpfer und Gestalter eine klare Linie und feste Entschlusskraft.

Schon während meines Designstudiums in Köln stürzte ich mich mit großer Neugier auf die ersten “greifbaren” Personalcomputer. Ich brannte darauf, zu erfahren, welche Möglichkeiten mir dieses neue Instrument bieten würde. Viele meiner damaligen Kommilitonen zeigten wenig Verständnis für meine Begeisterung. Der allgemeine Tenor: “Wir sind Künstler und keine Techniker!”

Am ersten Morgen ohne mich © Bernd Wachtmeister

Es gab damals nur einen jungen Hersteller professioneller Grafikcomputer. Heute ein Großkonzern, dessen zahlreiche Produktnamen ein kleines -i- vorantragen. Richtig, der Mac – auch heute noch mein wichtigstes Arbeitswerkzeug (in Verbindung mit der Software von Adobe) auch wenn aus der großen Faszination für diese Art des Arbeitens eine alltägliche Beschäftigung geworden ist.
Und damit bin ich wieder bei meiner Vergleichsstudie des Früheren mit dem Heutigen.
Während allein die Bildgestaltung in der Vergangenheit oft schon ein spannendes Spiel war, ist diese Tätigkeit heute mehr ein zielgerichtetes, konzentriertes Heranarbeiten an eine selbstgestellte Herausforderung. Auch der Spielcharakter scheint sich also verändert zu haben. Ein interessantes Spiel ist die Kunst oder besser – das Schaffen von grafischen Werken – für mich aber nach wie vor.

Bernd Wachtmeister (1 Posts)

Studium an der Akademie für bildende Kunst Wien – Klasse Amelie Von Wulffen, Figurative Malerei & Klasse Mathias Hermann, Fotografie

Ausstellungen u.a. im Leopold Museum Wien, Kunsthalle Wien, Artelaguna Preis Venedig

Gewinner des Preises “Bester Experimenteller Film“ beim Naoussa International Film Festival 2012

Adam de Neige

Geboren in Teheran um 6:30 Uhr morgens, 1987, ein Jahr vor Ende des ersten Golfkrieges, zog ich im Jahr 2000 um 7:30 Uhr morgens nach Frankreich, ein Jahr vor der Einführung des Euro.

Mein Hauptinteresse galt seither immer der Frage nach der Identität, nicht bloß meiner eigenen, sondern der Identität der Dinge im Allgemeinen. Seit meiner Kindheit hat mich die Freude an kleinen Dingen nicht verlassen und ihren künstlerischen Ausdruck in fotografischen und malerischen Experimenten mit Objekten und Medien gefunden.

Die tiefe Faszination alltäglicher Gegenstände kennzeichnet jedes einzelne meiner Arrangements. Ich spiele mit visuellen Tricks, um mich am Scheinbaren und Unmöglichen zu erfreuen. In „object series“ scheinen kleine Dinge, von denen wir meinen, wir hätten sie schon oft genug gesehen, vertikale Architekturen zu bilden, einige davon statisch höchst unglaubwürdig.

Ein Feuerzeug balanciert auf dünnen Stecknadeln, oder ist es nur der Blickwinkel, der es so erscheinen lässt?
Die Flamme bleibt, doch die Hand, die sie entzündet hat, ist nicht zu sehen. Wie es Ben Street, britischer Kunsthistoriker und Dozent von National Gallery, Tate Modern, MoMa und Guggenheim Museum, beschreibt: „Zur Freude der Betrachter vollbringen die Gegenstände Kunststücke, wie Zirkustiere, geleitet vom Dressurmeister, dem Fotografen. Doch unterhalb der Oberfläche spielen sie (Adam de Neige´s Fotografien, Anm. der Übers.) auf menschliche Bedürfnisse (Wärme, Feuchtigkeit, Nahrung, Überleben) an und werden so ganz unaufdringlich und unvermittelt zu Totems des modernen Lebens.

Ich fordere die Realitätswahrnehmung des Betrachters auch in “Allegory of Reality“, einer in eleganten Grautönen gehaltenen Serie, angelehnt an Alte Meister, heraus. Es ist hier nicht die Fotografie schwarz-weiß, sondern die Objekte selbst.

Adam de Neige I allegory of reality

Die konzeptuelle Frage „Was ist Schwarz-Weiß?“ wird verstärkt durch das ironische Umfunktionieren von Gegenständen des täglichen Gebrauchs, wie die elisabethanische Halskrause aus Federbällen oder der Heiligenschein, in Wahrheit eine Tortenplatte. Selbst Haut und Haar der pseudo-historischen Figuren sind entsprechend gefärbt, ein Schicksal, das auch den Objekten anderer Serien widerfährt. Inspiriert von Frank Herbert, Dune („Wer einen Gegenstand zerstören kann, kann ihn kontrollieren.“), spiele ich mit der Wirklichkeit, noch bevor sie wahrgenommen wird.

Der neueste Kurzfilm Behemoth!, welcher beim Naoussa International Film Festival zum “Besten Experimentellen Film“ gekürt wurde, lässt aus einer metaphorischen Ansammlung von grundlegenden Elementen des Lebens starke Bilder von Krieg, Zerstörung, Tod und Apokalypse entstehen. Behemoth, das mythologische Wesen aus dem Buch Hiob, steht für eine Macht von extremer Größe, ein Ungeheuer des Chaos, das am Beginn der Zeiten vom Schöpfergott zerstört wurde.

Zum Kurzfilm

Adam de Neige (1 Posts)

Gastautor Art11, Kunstschaffender aus Teheran, wohnhaft in Wien

Ich absolvierte mein Studium des Kommunikationsdesigns an der Universität Gesamthochschule Wuppertal, u.a. bei Professor Bazon Brock.
Meine Diplomarbeit war der Zeichentrickfilm “Die Mondgöttin Selene”.
Nach meinem abgeschlossenen Studium als Kommunikations-Designer führte ich mehrere Jahre die Trickfilmabteilung einer Filmproduktionsfirma. Erst im Anschluss daran begann ich mich verstärkt meiner Kunst zu widmen.

Selbstportrait – © Dirk Weisshuhn

Wege zum energetischen Realismus…

…beschreibt den Versuch mit der eigenen Seele einen liebevollen Dialog zu beginnen und das Ego, an seinen ihm bestimmten Platz zu verweisen.
So können, meiner Meinung nach, neue Muster und ein neuer Umgang mit der Mitwelt und den Mitmenschen eingeleitet werden.

Eine neue Selbstverbindlichkeit die sich willenlos äußert, die sich als naturhaft begreift und den Wunsch nach Kontrolle als Illusion entlarvt.

Ich glaube nur was ich sehe…

…ist ein Glaubenssatz der im krassen Widerspruch zu dem steht was mir in meinen Arbeiten wichtig erscheint.
Diese Glaubenssätze haben die Qualität unseren Wahrnehmungsapparat maßgeblich zu beeinflussen.

Erdenmutter – © Dirk Weisshuhn

Die Figuren die sich durch das „automatische Zeichnen“ in meinen Bildern manifestieren sind Teil meiner Realität und versuchen Kontakt zu mir
aufzunehmen. Sie sind autobiografisch und teilweise durch meine Krafttier- und Meditationsarbeit motiviert worden.

Anders als bei den Surrealisten, die stark durch Freuds Traumdeutung beeinflusst waren, beschäftige ich mich seit meinem 25 Lebensjahr mit dem
Werk von CG Jung dessen Arbeit mich immer wieder neu ermutigt den inneren Welten freien Lauf zu lassen.

Deine Seele hat einen Koerper – © Dirk Weisshuhn

Vorbilder sind für mich u.a artbrut. Hier wäre besonders das Werk von Hans Prinzhorn “Bildnerei der Geisteskranken” zu empfehlen.

Wesentliche ganzheitliche Aspekte fand ich in der Humanistischen Psychologie von Fritz Perls ( Gestalttherapie ) wieder. Hier wird grundsätzlich davon ausgegangen, dass alles was wir für ein glückliches Leben benötigen schon von Natur aus in uns angelegt ist.

Für mich ist es eine Einladung, Inne zu halten.

Dirk Weisshuhn (1 Posts)

Dass der Künstler den Betrachter seines Werkes,  im Bestreben es verstehen zu wollen, unterstützen möchte, kann man lobenswert finden; es wäre auch nichts dagegen zu sagen, dass der Künstler dem Kunstbetrachter  etwas mitgeben möchte, das ihm bei der Bewältigung des künstlerischen Rätsels helfen könnte; wie aber wäre das zu beurteilen, wenn die gutgemeinte Interpretationshilfe in eine kognitive Bevormundung des Rezipienten mündet? Und wo ist die Grenze?

Es ist wohl keine Seltenheit, dass sich Künstler von ihrem Publikum, von der Welt insgesamt unverstanden fühlen, manchmal sogar beleidigt reagieren, wenn das von ihnen vorgelegte Werk beim Publikum nicht ankommt, wenn der erwartete Erfolg, die Zustimmung, der Applaus ausbleiben, wenn das Werk  unverstanden bleibt.

Ausstellung “Entartete Kunst” 1937
Quelle: Wikipedia

Künstler genießen eine gesellschaftliche Sonderstellung.

Nicht erst seit der mit Nachdruck betriebenen schändlichen Eliminierung sogenannter „Entarteter Kunst“ aus dem Kunstbetrieb und dem gesamten öffentlichen Leben des Dritten Reiches, der Ausschaltung aller jener Kunstrichtungen also, die später als Avantgarde weltweite Triumphe feierten, scheint man – vielleicht wegen des nachträglich sich eingestellten unerwarteten Erfolgs –  in die  Künstler ein besonderes Maß „quasi-hellseherischer“ Fähigkeiten hineinzuinterpretieren. Die dem produktiven Zweig zurechenbaren Vertreter ihrer Zunft  wären in besonderem Maße  in der Lage, unheilvolle Entwicklungen der Gesellschaft vorauszusehen und in ihren Werken deutlich zu machen. Künstler seien die hellsichtigen Medien der Neuzeit! Die zeitgenössischen Rezipienten hingegen sind Gefangene ihres künstlerischen Unverstands und  nicht in der Lage das Deutlichgemachte zu verstehen?

Eine solche Auffassung muss natürlich jedem Künstler schmeicheln! Kein Wunder, wenn sich Künstler alsbald auch selbst als diejenigen sahen, die allein ihrer künstlerischen Fähigkeiten wegen mit  besonderer Gabe und Verantwortung dahingehend ausgestattet worden seien, der Gesellschaft den „rechten Weg“  zu weisen. Das Argument,  dass sie dieser besonderen Verantwortung durch das Schaffen von „mit politischer Bedeutung aufgeladenen Kunstwerken“ gerecht werden wollten, dürfte nicht weit hergeholt sein.  Auch die Tatsache, dass viele von ihnen  daran verzweifelten, wenn die Gesellschaft dennoch eine andere Sicht der Dinge hatte oder die mit dem Kunstwerk latent oder offensichtlich mitgelieferte politische Botschaft nicht verstand, könnte sich wohl leicht empirisch belegen lassen.

Victor Vasarely, Wandgemälde
Foto Quelle: Wikipedia

Andererseits hat es immer Künstler gegeben - und es gibt sie noch - für deren Arbeit der Lauf der Welt mehr oder weniger bedeutungslos war. Künstler, die die Referenzpunkte für ihr Werk nicht innerhalb des Systems Politik, Gesellschaft oder Wirtschaft sondern ausschließlich innerhalb des Systems Kunst suchten und fanden.

Was aber nützt das Kunstwerk, wenn es niemanden gibt, der es richtig „lesen“ kann?

Muss man von Kunst wirklich etwas „verstehen“, um sie richtig zu deuten? Deutet man das Kunstwerk  nur dann richtig, wenn man es im Sinne seines Schöpfers versteht?

„Es gibt Kunstwerke, die „springen“ mich förmlich an, bei denen läuft mir eine „Gänsehaut“ über den Rücken! Was es genau ist, was mich beeindruckt, was mich fasziniert, kann ich nicht sagen, es ist etwas Unbestimmtes, es ist „etwas“, das etwas in mir „zum Schwingen“ bringt  und erst dann, wenn das passiert, dann weiß ich, dass es sich um „Kunst“ handelt.  Andere Werke wiederum „sagen mir gar nichts“, da „springt kein Funke“ über.“

Solche und ähnliche Äußerungen hört man immer wieder, wenn man Menschen bittet, über ihre Begegnungen mit „moderner Kunst“ zu berichten.

Malerei eines Schimpansen
Quelle Wikipedia

Seit der Zerschlagung des klassischen Kunstbegriffes durch die extensive „Ausweitung“ seines Geltungsbereiches bis nahe an die Beliebigkeit, scheint Kunst etwas ganz Individuelles, etwas ganz Persönliches geworden zu sein; die Kunst scheint sich im Zwanzigsten Jahrhundert zu einem Phänomen entwickelt zu haben, das für jeden anders in Erscheinung tritt. Oft wird im Zuge des Anwachsens esoterisch geprägter Phantastereien sogar  verlangt, der Betrachter eines Kunstwerkes müsse über ganz besondere Antennen verfügen, um die Schwingungen aufzufangen, die angeblich von einem modernen Kunstwerk ausgehen, um es zu verstehen. Während also die einen einem künstlerischen Relativismus frönen und alles  dem vielbeschworenen  „Bauchgefühl“ überantworten: Man ist entweder berührt oder man bleibt ungerührt, bemühen die anderen, die ihnen vertrauten kunsthistorischen Kategorien.

Seit dem vielzitierten, aber sicherlich falschen Postulat: Kunst hat nichts mit können zu tun, scheint es nichts mehr Handfestes zu geben, an das zu halten sich lohnt. Nichts ist leichter, als im Dschungel der Kunst die Orientierung  zu verlieren;  nichts scheint mehr greifbar zu sein, schon gar nicht die verwendeten Vokabel der Kunstkritik, die sich nicht ungern selbst zu eigenständiger Kunstform aufschwingen will; alles wird unbestimmt, sämtliche Qualitätskriterien scheinen außer Kraft gesetzt worden zu sein und sind es doch nicht.

Im Feld dieser Unsicherheiten lassen sich zumindest zwei einander diametral gegenüberstehende Standpunkte ausmachen:  der des Künstlers: Kunst ist das, was ich zur Kunst mache!  (Marcel Duchamp, Kurt Schwitters u.a.) und der des ”ungebildeten” Rezipienten: Kunst ist (nur) das,  was ich als Kunst erkenne! Auch innerhalb der Künstler finden sich unterschiedliche Gruppen: Während sich die einen als Künstler mit  kommunikativem, sendungsbewussten Auftrag verstehen, findet man auf der anderen Seite der Medaille das „autistische“, weltabgewandte Gegenteil, des nur für sich arbeitenden Künstlers. Dazwischen:  jede Menge feiner Nuancierungen.

Muss das zeitgenössische Kunstwerk der Sendungsbewussten mit einem gesellschaftlichen Auftrag ausgestattet sein, der nur in der einen vom Schöpfer legitimierten Form interpretiert werden darf?  Oder steht das Kunstwerk mit seiner Entlassung in die Welt ohnehin als selbständiges Artefakt da, über das selbst sein Schöpfer die Herrschaft und Interpretationsberechtigung verloren hat?

Allgemein verbindliche Regeln fehlen und das macht die Sache kompliziert. Die Aufgabe der Kunst von heute, die von der Bewegung des  „l’art pour l’art“ noch strikt verneint worden wäre, sehen viele in der Kommunikation zwischen Künstler, Kunstwerk und Rezipienten. Schlagworte wie Kunst am Bau, Kunst im öffentlichen Raum und die durchwegs negativ konnotierte  “Behübschungskunst“ legen beredt davon Zeugnis ab. Die politische Kunst der 68er Jahre ist Vergangenheit. Für manche ist die Kunst in ihren “Käfig” zurückgekehrt und beschäftigt sich nur noch mit sich selbst.

Und dennoch gibt es immer  auch noch  die eine Kunst, die uns etwas sagt; die uns nach etwas fragt,  das oft jenseits dessen liegt, was sich mit Worten sagen ließe.

Die Premiere dieser Ausstellung wird ab 1.Juni im Mehrgenerationenhaus HellGa in Düsseldorf stattfinden. Hier wird eine Teil der Bilder zu sehen sein. Skulpturen können an diesem Ort nicht gezeigt werden.

Die Künstler laden herzlich alle Kunst- und Eselfreunde zu ihrer Midisage am Sonntag, dem 16./. 2013 ab 15.00 Uhr ein!

Informationen zur Ausstellung:

Künstlerinnen:
Sandra Struck Germann, Martina Unterharnscheidt, Bina Placzek-Theisen, Birgit Bührlè, Petra Müllewitsch, Petra Wittmund, Verena Unterpertinger,Sarah Morgenstern, Katrin von Lettow-Vorbeck  und Anja Hühn.

Midisage: 16.Juni 2013 ab 15.00 Uhr

Ausstellung vom 1.Juni bis zum 5.Juli 2013

Mehrgenerationenhaus HELL-GA e.V.
Ricarda-Huch-Str. 3a, 40595 Düsseldorf

Ein Stall voller Esel, Acryl auf Holz, 60 x 80cm, © Anja Huehn 2013

Durch sein markantes Aussehen – große Ohren, kompakter Körper und großer Kopf – ist der Esel ein wunderbares Model für einen Künstler. Zahlreiche Eselportaits, farbig, expressiv, real oder als Karikatur menschlicher Eigenschaften und sogar mit Kaffee gemalte Grautiere brachte ich in den letzten Jahren auf Papier und Leinwand.

So kam mir die Idee eine Ausstellung mit dem Titel “Ein Stall voller Esel” zu organisieren. Ich sprach gezielt Künstler und Künstlerinnen an, die sich durch ihre besonderen Techniken auszeichnen und unterscheiden.
Es beteiligen sich die schon mehrfach prämierte Filzkünstlerin Sandra Struck Germann, die Dinkelsbühler Textilkünstlerin und Galeristin Martina Unterharnscheidt und der Kölner Skulpturenkünstler Bernd Müller mit ihren Werken an der Ausstellung, sowie die malenden Künstlerinnen Bina Placzek-Theisen, Birgit Bührlè, Petra Müllewitsch, Petra Wittmund, Verena Unterpertinger,Sarah Morgenstern, Katrin von Lettow-Vorbeck  und Anja Hühn.

Luise © Verena Unterpertinger

Die Premiere dieser Ausstellung findet zur Zeit ( vom 1.Juni bis zum 5. Juli 2013) im Mehrgenerationenhaus HellGa in Düsseldorf statt. Hier wird eine Auswahl der Bilder präsentiert. Skulpturen können an diesem Ort leider nicht gezeigt werden.

Im Juli/August wird es dann ein echtes Highlight geben. Die Esel wandern in einen hellen Stall und können dort bestaunt werden. Der Stall befindet sich im Gelände eines Groß-Esel-Gestüts an der Loreley. Hier leben unter anderem 40 Großesel, die das Geschehen in ihrem Stall sicher mit großer Neugier verfolgen werden.

Eine Zwischenstation wird es dann im September geben, wo die Esel im Rahmen des Projektes “Kunst gegen Leerstand” vom www.kultur-kreis.de mehrere lehrstehende Schaufenster in der Fußgängerzone verschönen werden.

Das “Winterquartier” der Ausstellung ist in den hellen Räumen einer Solinger Kanzlei ab November geplant.

Es wird eine richtig spannende Ausstellung. Wir werden die aktuellen Ausstellungstermine immer aktuell bekannt geben!

Die Malerin Gisela Hammer traf Viktor Ferrando, Bildhauer aus Spanien auf Facebook, wo die beiden über ihre Affinität zu Afrika sogleich eine Wellenlänge hatten…

Jemanden in seiner Charakteristik und Einmaligkeit zu porträtieren, ohne ihn je gesehen zu haben, seine Stimme nicht zu kennen? Nur über Fotos, seine Biografie, seine kurzen Nachrichten, Anmerkungen, Kommentare?

Viktor – © Gisela Hammer 2013

Die Bewunderung für Afrika und seine Menschen war unsere erste Schnittstelle – Facebook sei Dank! Vom ersten Moment unseres Kontakts spürten wir eine Wellenlänge, sprachen eine „Sprache“, auch wenn es zeitweise spanisch, deutsch oder englisch war oder gleichzeitig eine Mixtur aus allen dreien.
Trotz unterschiedlicher Ansätze unserer Kunst – Viktor entwickelt und konstruiert Riesenskulpturen aus Eisen und Stahl, bis 30 Tonnen schwer. Futuristisch und eher aus dem Reich von Starwars …… und ich bleibe meiner expressiven Malerei treu! Die Bewunderung ist gegenseitig! Obwohl unsere Arbeit nicht gegensätzlicher sein könnte! Aber gerade das war es – es entstand ganz spontan die Idee, gemalte Porträts von Viktor in das Dossier für sein Projekt in Dubai zu integrieren.

Viktor – © Gisela Hammer 2013

Seit dem ersten Tag unserer Begegnung hatte ich bereits zahlreiche Fotos mit surrealistischen, futuristischen und fantastischen Inszenierungen seinerseits, zusammen mit seinen Skulpturen, gesehen. So fiel es mir nicht schwer, mich in seine Darstellungsweise hineinzuversetzen und seine Intensionen nachzuvollziehen. Zur detaillierten Studie seiner Physiognomie und seinem charakteristischen Habitus sandte er mir einige Porträtfotos von sich und auch einige Fremdfotos mit Darstellungen und Stimmungen, wie und in welchem atmosphärischen Umfeld er sich gerne sehen würde. Damit machte ich mich an die Arbeit. Nach 3-4 „Anlaufbildern“ war ich seinen Vorstellungen schon sehr nahe. Der modernen Kommunikationstechnik sei Dank.

Viktor – © Gisela Hammer 2013

Während des fortgeschrittenen Malprozesses sandte ich Viktor Fotos über den jeweiligen Entwicklungsstand – Messages gingen hin und her, bis ich wusste, wie die Lösung aussehen könnte.
Bis hin zu Comic-hafter Impression entwickelten sich die Bilder. Reduziert, wie auch seine Skulpturen – fast archaisch und streng. Viel Schwarz, viel Weiß – also nichts von meiner üblichen Farbpalette. Und doch voller Kraft und Intensität!
Es war unglaublich: Messages eilten durch’s „Universum“, Fotos ebenso und alles irgendwie dreisprachig. Bis plötzlich um 23.30 Uhr eine Nachricht kam „estamos flipando“….will heißen: als er und seine Freundin Natasha das (fertige) Bild sahen „flippten sie aus“!……Gibt es eine schönere Resonanz?

Viktor – © Gisela Hammer 2013

Später folgte noch die Anmerkung seiner Freundin ….“ja, sie sind es, diese Augen, die ich morgens und abends sehe!“
Es war eine große Herausforderung, weil ich Viktor aus dem Wenigen, mir zur Verfügung stehenden, charakterisieren mußte und ich mein übliches Ausdrucksmittel Farbe nur bedingt einsetzen konnte, um zum „Ziel“ zu kommen.

Viktor – © Gisela Hammer 2013

Das nächste Bild war dann schon wesentlich einfacher zu malen, da ich ja wußte, wie er sich gerne sieht und womit er sich identifizieren kann!
Wer weiß, welche Bilder und gemeinsamen Projekte noch folgen. Auf jeden Fall ist es der Beginn einer tollen Begegnung und einer ganz besonderen Erfahrung.
Ich freue mich schon darauf, ihn persönlich kennenzulernen – irgendwann in naher Zukunft!

“Estamos flipando”

 

]]> http://www.art-11.net/2013/05/gisela-hammer-viktor-ferrando-passion-in-farbe-und-eisen/feed/ 2 http://www.art-11.net/2013/05/textilkunst-in-der-kunststation-kleinsassen/ http://www.art-11.net/2013/05/textilkunst-in-der-kunststation-kleinsassen/#comments Tue, 07 May 2013 08:05:28 +0000 Martina U. http://www.art-11.net/?p=18020 In Zusammenarbeit mit Quiltkunst e.V. Frankfurt zeigt die Kunststation großformatige textile Arbeiten von 22 Textilkünstlerinnen. Diese reichen von der flächigen Gestaltung unterschiedlichster Art bis zur Skulptur und Rauminstallation. Titel der Ausstellung: “Konzepte in Stoff – 22 textile Positionen “

Die Kunststation in Kleinsassen ist schon etwas Besonderes, und der Beweis dafür, dass Kultur und Kunst auch in der Provinz blühen kann. Seit rund 20 Jahren wird in dem Ort Kleinsassen an der Rhön (ca. 390 Einwohner) Kunst organisiert. In der Kunststation setzt man sich mit zeitgenössischer Kunst fernab der Metropolen auseinander.
Schon 1886 wurde Kleinsassen von Malern entdeckt. Dank der wunderschönen landschaftlichen Lage an der Milseburg kamen immer mehr Maler in dieses kleine Dorf und so entwickelte sich Kleinsassen zum Malerdorf der Rhön.

Zur Zeit werden dort auch wundervolle textile Kunstwerke ausgestellt. Nicht das erste Mal, aber sicherlich diesmal von der Kunstwelt mehr beachtet.
Der Quiltkunst e.V. hat 22 Künstlerinnen “juriert”, die ihre großformatigen Werke dort ausstellen.

Im Jahre 2011 beschloss der Verein einen Wettbewerb für großformatige textile Arbeiten auszuschreiben. Nicht nur durch das große Format – vorgegeben waren mindestens drei Quadratmeter – auch inhaltlich sollte dieser Wettbewerb einer neuen Standortbestimmung dieser Kunstform dienen. Daher wurden die Ausschreibungskriterien über die Grenzen des herkömnmlichen Quilts hinaus erweitert, der Mut zur eigenständigen künstlerischen Formulierung individueller Themen und zur Innovation im Einsatz der adäquaten Mittel gefordert.

Die Stoffe zu den Kunstwerken sind alle selbstgefärbt, entfärbt, decoloriert, bemalt und bedruckt. Es ist in der Textilkunst üblich, dass man seine Werke komplett komponiert. Das bedeutet, dass man, vom Entwurf angefangen, alles selber „herstellt“, also passende Stöffchen färbt oder bedruckt. Fotos/Bilder transferiert, Fundstücke einarbeitet (siehe Britta Ankenbauer „Hier et demain“).

Hier ein kleiner Einblick in die Ausstellung:

 

Infos zur Ausstellung:

Ausstellungsort:
Kunststation Kleinsassen
36145 Hofbieber-Kleinsassen (Rhön)
An der Milseburg 2

24. März bis 20. Mai 2013

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag und an Feiertagen 13.00 bis 18.00 Uhr

]]> http://www.art-11.net/2013/05/textilkunst-in-der-kunststation-kleinsassen/feed/ 0 http://www.art-11.net/2013/05/der-fruhling-in-den-fotografien/ http://www.art-11.net/2013/05/der-fruhling-in-den-fotografien/#comments Thu, 02 May 2013 08:01:12 +0000 Verena http://www.art-11.net/?p=17806 Langsam aber sicher zieht der Frühling ins Land und die Tage werden länger. Das ist der Moment wo auch viele Fotografen aus dem Winterschlaf erwachen. Mit der Kamera bewaffnet wird die Natur erkundet und entdeckt. Grashalme, Tautropfen, Menschen, Tiere, aber vor allem Blumen sind sehr beliebte Motive.

Florian Czech und Karin Bellutti lassen uns auf verschiedene Art und Weise in ihren Fotografien den Frühling  erleben.

Florian Czech:

Florian Czech ist am 30. Dezember 1964 in Wien geboren. Es sind alltägliche Situationen des Lebens die ihn faszinieren aber auch das was Mutter Natur oder Menschen geschaffen haben. Speziell sind es jedoch die Menschen und ihr Umfeld, welches ihn beruflich als auch künstlerisch beschäftigen.

Ich will die Betrachter sanft dazu zwingen hin zu sehen, zu fühlen und sich Gedanken zu machen!

Florian Czech

Florian Czech, Lebensfreude.

Florian Czech

Florian Czech, Zärtlichkeit

 

 

Karin Bellutti:

Karin Bellutti kommt aus Tramin/Südtirol. Im Jahr 2006 hat sie mit einer digitalen Kompaktkamera ihre ersten Schritte in die Fotowelt gewagt, nachdem sie aus Zeitmangel die Aquarell- und Acrylmalerei aufgegeben hat. Allerdings merkt sie bald, dass auch das Fotografieren Zeit und Geduld erfordert! Die herrliche Natur nach einer anstrengenden Arbeitswoche im Geschäft ist jedoch ein wunderbar befreiendes Gefühl und läßt  den Alltag in weite Ferne rücken und jede Zeit vergessen.  Vor fünf Jahren wurde ihre *Kleine* gegen eine Spiegelreflex Kamera ausgetauscht.  Pflanzenmakros, aber auch besondere Stimmungs- und Landschaftsbilder waren von nun an sehr beliebte Motive.

Der Frühling ist für mich die Jahreszeit, in der alles neu erwacht…, die zarten Grüntöne und all die Farbenpracht der Natur genieße ich nach den kalten Wintertagen in vollen Zügen!
Karin Bellutti

Karin Bellutti

Karin Bellutti

Karin Bellutti

Karin Bellutti

Man sieht nur mit dem Herzen gut, das Wesentliche ist für die Augen unsichtbar.
(A.de.S.Exupery)

 

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